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开放新光彩,二〇一四中华舞剧

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开放新光彩,二〇一四中华舞剧

跨文化戏剧不能丧失个性

时间:2016年05月06日来源:《中国艺术报》作者:怡 梦

  不同民族之间的戏剧改编涉及跨文化、跨语言、跨艺术门类等多重障碍,中国内地和香港地区以及新加坡戏剧人对此表示——

跨文化戏剧不能丧失个性

  “当我们都知道这个故事的时候,语言就不是最重要的了,舞台表现力才是最重要的。”一位外国戏剧导演近日在广州举办的世界戏剧日系列活动之亚洲传统戏剧论坛上观看了根据《麦克白》改编的昆曲《夫的人》选段和根据《威尼斯商人》改编的粤剧《豪门千金》选段,虽然听不懂昆曲和粤剧唱词,但他表示对欣赏没有影响。

  “日本也有很多这样的改编,像歌舞伎,就改编过很多莎士比亚的作品。”国际剧协日本中心理事菱沼彬晁介绍说,创作者根据本国观众的情感、想法、生活态度改编创作,观众欣赏莎士比亚的改编作品也不会有障碍。“真正伟大的戏剧,是根据人的普遍性创作的,在这种普遍性面前,东方和西方的观众会产生共鸣。”菱沼彬晁还表示,日本歌舞伎演员很喜欢中国的昆曲《牡丹亭》,为了磨练演技,他们会学习昆曲中的表演和语言,“艺术家之间有‘共感’,他们追求的目的都是艺术表现”。另外,不少翻译成日语演出的中国戏剧如《朱买臣休妻》等,日本观众也很喜欢看。

  不同民族之间的戏剧改编涉及跨文化、跨语言、跨艺术门类等多重障碍,中国内地和香港地区以及新加坡戏剧人对此进行了深入探讨。

  不是单纯模仿

  新加坡戏剧学者蔡曙鹏把这种改编称作“跨文化戏剧实验”,这种创作有多种模式,比如外国人演中国戏,打扮成中国人的样子,又比如只汲取外国故事,做本土化改编,时代、人名都和本民族文化相对应,无论哪种模式,蔡曙鹏认为,跨文化戏剧最重要的,是把戏剧作为了解其他民族文化的窗口,比如通过改编莎士比亚作品,领悟莎士比亚戏剧精神,跨文化戏剧的价值和意义,不是单纯模仿举止、装扮外貌,而是加深文化之间的相互了解。

  说起文化交流,蔡曙鹏谈到了东南亚的“罗摩衍那艺术节”,《罗摩衍那》是印度史诗,但柬埔寨、泰国、缅甸、印度尼西亚、马来西亚、新加坡都有相关戏剧作品,“同一个故事衍化成不同版本的戏剧,各民族创作者又把本民族的文化元素融入其中,他们在一起汇演的时候相当精彩”。“罗摩衍那艺术节”上,多个国家的戏剧团体上演“罗摩衍那”的相关作品,令当地观众对各民族文化产生了美好的感觉,“观众观看演出后会感受到,他们和我们的心灵是相通的”。蔡曙鹏说,大家同演一个故事,拉近了不同民族文化之间的距离。

  “三十多年来,中国戏剧改编西方作品的剧目一直存在,有的比较成功,有的有点水土不服。”《中国戏剧》杂志主编赓续华说,“要看这个剧种适合不适合表达不同文化的转换。”比较成功的如根据《榆树下的欲望》改编的川剧《欲海狂潮》,川剧的表达方式和原作中展现的资本主义上升时期的欲望比较贴合,又如根据《麦克白》改编的徽剧《惊魂记》等。

  “以前可能更多是模仿,比如把鼻子垫高、戴上假发等,但如今越来越成熟,不仅是皮毛,更是从精神层面领会,变成一种西方故事、中国表达的创作形式。”如今京剧、昆曲、越剧、川剧、徽剧等都有改编作品,赓续华说,除了新编历史剧、传统戏、现代戏,改编西方作品可以作为戏曲创作的补充,“所有对我们的精神家园有益的文化都可以借鉴,改编作品可以让我们的文化更丰富”。

  不止改编故事

  “只把故事拿过来,不是到位的改编。原作的艺术内涵、创作理念,令其成为代表作的核心精神应该表现出来。”香港演艺学院戏曲学院院长毛俊辉说,“比如改编莎士比亚作品,讲了一个故事,或表现了莎士比亚戏剧中的一些矛盾冲突,那不过是一个古装戏,从西方搬到中国而已,要把莎士比亚戏剧中的人文精神,对人性的挖掘、探讨的主旨,那些到今天还有价值的内容,用中国的方式表现出来。”

  “跨文化戏剧的创作者应该像一个外交官,最好懂得其他民族文化的语言,了解那个民族人民是怎么想的。”蔡曙鹏介绍,泰国曾把一系列泰语演绎的包公故事拍成电视剧,受到泰国观众的欢迎,成功的原因是作品的把关者本身精通中文,很清楚包公故事的文化内涵、历史背景、人物特点,以及各个包公戏里的重点。

  蔡曙鹏坦言,一些中国戏剧改编西方故事的表演中,演员对西方人的肢体语言表现夸张,与真实情况有一定差距,“要去熟悉其他民族的文化背景、风俗习惯等,深入观察生活,才可能做得更好”。印度尼西亚戏剧《薛仁贵》演出时长4个小时,在一个月里演了30场,每场满座,没有一个观众离开,演出结束后观众还要边喝茶边讨论剧情。蔡曙鹏介绍,《薛仁贵》的创作者在“薛仁贵”这个唐朝大将身上下了不少功夫,他深入了解了为什么在中国戏剧里有很多薛仁贵的故事,他值得歌颂的品质是什么,挫折磨难对这个人物的意义何在,他寻找了许多中国历史资料,包括戏曲资料,各个剧种中的“薛仁贵”怎么演。“这是一个学习的过程,不能急功近利,创作者是真诚地热爱着中国文化的。”蔡曙鹏说。

  不失本土特色

  印尼戏剧《薛仁贵》之所以受到欢迎,还因为创作者充分发挥了印尼戏剧的艺术手段,它是中国式的,又含蕴印尼风味,音乐、歌舞都是当地观众熟悉的艺术形式,蔡曙鹏总结说:“跨文化戏剧不能丧失个性。”

  以本民族的戏剧样式讲述其他民族的故事,不可避免地会给本民族的戏剧艺术带来变化,比如中国戏曲融入西方元素,会在一定程度上改变戏曲艺术,这种改变对于戏曲艺术意味着拓展。“戏曲不是僵化的,不是停着不动的,戏曲从来是活化的。”毛俊辉说,“有些戏曲传统我们要保留、爱护、保护,这种融入做得好,就是活化了戏曲,做得不好,就是僵化了戏曲,做得不伦不类,则是伤害了戏曲。”

  对于戏曲形式和西方故事的结合,毛俊辉以自己为中国京剧院导演的《曙色紫禁城》为例做了个比喻,故事讲述受西方教育的格格德龄与慈禧、光绪代表的封建文明发生的一系列冲突。“看上去很简单,但那些人物单纯用程式化、脸谱化的表演方式,就会塑造得很平面,没有深度,有现代意识融入的京剧表演才会精彩。”毛俊辉说,“比如慈禧和荣禄,是以老旦和花脸来表现的。在京剧中,这两个行当没有男女情感内容,我们要坚持老旦、花脸行当的表演,就很难展现人物关系。但当我们依据人物心理来表现两个角色的情感时,又要发挥行当的特点,比如慈禧和荣禄有情感表达的时候,碰不碰手,我们认为不能碰,那样就太现代,不像京剧了。”

  “必须用本剧种的方式来表达。”赓续华认为,一个剧种无论演什么题材都得唱自己的调、行自己的腔、走自己的步子,不能因为要演西方故事,戏曲程式就不要了。“剧种化”,即考虑“水土”是改编应当遵守的原则,也是改编作品成功的关键。“当你选择一个剧目,先要考虑对剧种有没有驾驭能力,比如歌仔戏要改莎士比亚作品,就比较难驾驭。”赓续华介绍,我国有些剧种属于“三小戏”,更适合讲述草根的故事,而莎士比亚戏剧中宫廷故事比较多,京剧、昆曲中有很多“袍带戏”,所以比较适合改编莎士比亚作品。“改编作品一定要经过论证,不能盲目追求时尚,不是题材好就一定能成功,每个剧种有每个剧种擅长的题材,找到适合自己剧种表现的题材,成功率就高一些。”

“梅花奖”新颁,15朵“梅花”绽放新光彩

时间:2017年06月05日来源:《中国艺术报》作者:怡 梦

“梅花奖”新颁,15朵“梅花”绽放新光彩

出得海外显魅力,入得基层有活力

  “徽剧改编西方作品,这是第一次,我们想用这个故事让西方观众感受到中国传统戏曲的魅力。”

  “我希望观众与剧中人物惺惺相惜,而不是让他们觉得这个技巧好赞。”

  “我们一年下乡演出350场,我的获奖剧目就是在基层打磨出来的。”

  最新一届中国戏剧奖·梅花表演奖不久前揭晓。获奖演员汪育殊、沈昳丽、袁丫丫谈起表演心得,感悟颇多。本届奖项是2015年全国性文艺评奖改革后首评,获奖名额从30名减为15名,从中脱颖而出的“梅花奖”演员,各有各的不易,各有各的精彩。

  “戏曲是古老的,艺术不古老”

  “传统戏表达一段感情一般就是站在那里唱,这出戏我是边舞边唱,几乎每段唱都有表演。”本届“梅花奖”榜首汪育殊的获奖剧目是改编自莎士比亚作品《麦克白》的徽剧《惊魂记》,汪育殊坦言,这个角色曾令他很忐忑。主人公本是一位英雄,受到怂恿,走上追求欲望的道路,不择手段取得了王位,内心却充满恐惧,人物心理之复杂,是传统戏中没有的。

  “我们设计了很多内心外化的表演,在表现上和传统戏不一样,比如表现他的纠结、痛苦,用了串翻身,表现他的内心正与邪的挣扎,用了抖翎子功。”汪育殊讲到,戏曲中有一门摔打功夫叫“僵尸倒”,在《惊魂记》中,他用了从高台上“滑僵尸”的技巧,使表演更准确。

  这是考虑到演外国故事,以唱为主外国人可能听不懂。“去年,《惊魂记》参加了英国爱丁堡国际艺术节,观众中有很多编剧、导演,观看这部作品没有任何障碍,他们说中国能演绎这个故事太意外了,中国的传统艺术真美。”这部作品的进校园演出也对汪育殊有所启发,“年轻人思维活跃、接受新事物快,我们在一所学校演出,其他地方的年轻人慕名而来,他们的喜爱,是我们今后创作的源泉。”

  有人问,徽剧这么古老的剧种演外国故事是不是有点不伦不类,汪育殊始终坚信导演徐勤纳的话,“戏曲是古老的,艺术不古老”。“徐勤纳先生80岁了,他对我们说,戏曲要发展,就要结合更多更好的艺术形式,吸收新的观众,让传统更丰富。”

  “不是简单地复排,而是重新梳理,回归传统不是样式上的回归,应该是精神上的回归。”以昆曲《紫钗记》获得“梅花奖”的沈昳丽说,这部戏她十年前就演过,当时的舞美、造型时尚、华丽,虽然演出很受欢迎,但在人物塑造和感情表达上,她感到不满足,这一次摒弃了外在的华丽,从唱腔咬字到眼神手势一一调整,她认为,回归传统不应该是碎片式的,而应该是体系式的。

  “我们把第六场整本从北曲改为南曲。”沈昳丽介绍,从前人们倾向于以激昂的方式来表现这段情绪,北曲更有力度,但与人物心理并不相配,改用南曲,表达的是“一腔难以名状的悲怨”。“准确的表达不是技巧的展示,这段表演中一个下腰也没有,不是不会,而是不想让观众因为一个技巧而鼓掌,忽略了情感的表达。”

  剧中有一段人物弹古琴的情景,按传统演法,演员虚拟弹古琴,辅以乐师伴奏,沈昳丽则是真弹古琴。“剧本中本来是弹琵琶,排练中我觉得琵琶的倾诉性太强,剧中我扮演的人物跟丈夫表达自己的小情感,不会是这么有攻击性的。”沈昳丽说,当时她还不会弹古琴,花了一个月的时间学习,“第一次在台上弹,手都在抖,这并不是才艺的展示,而是人物塑造的需要。”

  “别的院团一两年排一本戏,我们基层院团剧本一发,演员一凑,排练一个星期就下乡去演。”获得“梅花奖”的秦腔演员袁丫丫说,她的获奖剧目《春江月》就是一台下乡戏,讲一个没有结婚的女子,舍弃自己一生的幸福,把一个孩子养大成人。“我们每个星期换一个地方演,特别受欢迎,已经演了300多场。我在台上演,观众在台下哭,小孩趴在舞台边上看。”

  袁丫丫所在的甘肃天水有个习俗,每年要演“庙会戏”,正月初三初四开戏,每个乡每个村,都是大大小小的剧团搭的一台一台的戏。当地老百姓特别喜欢秦腔,有的剧团365天都在演。“我们早上八点起来化妆,一天演三本戏。九点半开演,一本戏三个小时,中午老百姓做好饭送来,都是他们家里能做的最好的饭,演员就在舞台上吃饭,下午两三点开演,又是三个小时,晚上再演,演完就快12点了。”

  基层演出条件不好,演员自带铺盖,住在舞台后面,几个人一间大宿舍,劳务费只有几十块钱,袁丫丫说:“基层演员挺辛苦的,但是剧团要生存,不演的话演员就散了。”她说,演出频繁也有好处,“戏演得多,青年演员机会多,成长很快,进步很大。”

  “好演员不是教出来的,是自己感受出来的”

  “中国戏剧尤其是戏曲,表演艺术是中心,表演艺术不仅仅是演员艺术,剧本、导演、舞美、灯光,方方面面最终的体现在于表演,演员是戏剧的实践者,也是戏剧与观众交流的主体,抓住了表演,就抓住了一部戏中提纲挈领的因素。”作为多届“梅花奖”的评委,目睹了34年来“梅花奖”对中国戏剧的巨大影响,《中国戏剧》主编赓续华表示,本届评奖给她留下深刻印象的是外国名著改编作品和老戏新演作品。

  “《惊魂记》对《麦克白》的改编比较成功,这个故事反映了人类的共性,400年过去了,依然能打动我们。尤其是在社会发展转型期,欲望的膨胀是推动力量,也是毁灭力量,令人警醒。”在赓续华看来,作品的改编非常中国化,把一个成熟的西方故事化入戏曲的唱念做打,演员通过手眼身法步,把人物表现得淋漓尽致,让人们看到了徽剧的深厚底蕴。参评本届“梅花奖”的越剧《心比天高》改编自易卜生的现代剧《海达·高布尔》,赓续华认为,这个外国故事以中国的造型和表达方式来讲述,更吸引人,它既有人性的深度,又和当下有所勾连,给演员的发挥空间很大。

  “再好的演员也演不好一个烂剧本,老戏新演的优势在于,它的剧本很成熟,有利于演员发挥自如。”赓续华表示,参评本届“梅花奖”的京剧《范进中举》,故事在今天依然有现实意义,演员把人的异化表现得入骨入心。秦腔《卧虎令》,川剧、京剧、晋剧,很多剧种都有这出戏,因为它很有价值,与一般的反腐倡廉作品不同,它表现刚直不阿,主人公为了道义宁可不做官,敢于抬着自己的棺材面君,充满正义感和责任担当。河北梆子《徐策》,把多个折子戏连缀成整本,给演员提供了更充分的表现空间。粤剧《白蛇传·情》一改以往的反封建主题,表现“妖若有情妖非孽,人若无情枉为人”,法海也不再拘泥于封建卫道士形象,种种调整,都张扬了大爱情怀;还发挥了粤剧接纳性强的特点,采用了很多粤歌,令作品生辉。

  “表演是需要人生阅历的,二十多岁颜值高,但表演不是那么容易走心,三四十岁是戏曲演员最好的年龄,阅历能让演员更有悟性,好演员不是教出来的,是自己感受出来的。”谈到“梅花奖”演员的表现,赓续华如是说。

  “深入基层不是落后”

  “2015年国际剧协总部落户上海,国际剧协总干事托比亚斯·比昂科尼特别喜欢中国茶,可是他说,一出门找不到茶舍,到处都是咖啡馆。”中国剧协分党组书记、驻会副主席季国平说,“舞台艺术也是一样,没有特点就没有价值,大城市受外来影响大,戏曲越到基层越受老百姓欢迎,不要觉得这是落后,基层正是戏曲生长的土壤。”季国平以此鼓励“梅花奖”演员要自信,同时,也为他们规划了未来的方向。

  “年轻人喜欢新奇、追求时尚是正常的,戏曲必须关注年轻观众,戏曲进校园是重要的渠道,选戏一定要适合孩子们,不要让他们把胃口吃倒了,有的年轻人说戏曲不好看,可能不是戏曲不好看,而是他看的那出戏不好看,所以我们一定要选经典,选适合不同年龄段的剧目。”季国平说,戏曲中有京剧、昆剧、徽剧、梆子等戏曲化程度极高的剧种,也有越剧、粤剧、黄梅戏、花鼓戏等更有生活气息的剧种,后者在吸引年轻观众方面更有优势。

  “演员拼的是文化,不是看书就够了,要把书读活,化为自身的修养,转变成表演样式。”季国平表示,演员创造性的读书越多越好,西方的、时尚的艺术看得越多越好,“然后就看怎么去消化和呈现,怎么让古老的戏曲时尚到骨子里,我们的价值就是让传统艺术活在现代。”

  多年来,戏曲与外来艺术相遇往往吃亏,面临的挑战很大,很多戏曲工作者不为报酬、长年坚守,“梅花奖”演员是其中的优秀代表。“他们需要到大剧院这样的高端平台上去展现,更需要多到老百姓当中去展现,养育戏曲的土壤不能忘,走出国门的重任不能忘,我们现在有外国故事的中国表达,未来要让中国故事、中国表达产生世界性的影响。”季国平说。

粤剧《罗摩衍那》在马来西亚大放异彩

2015年11月27日,川剧《尘埃落定》参加首届四川艺术节“四川文华奖”剧目展演在成都锦江剧场祝贺演出,受到观众欢迎,戏迷们对这部戏的编剧、国家一级编剧徐棻一定非常熟悉,今年80多岁高龄的她为川剧艺术贡献了《欲海狂潮》《死水微澜》《马前泼水》等众多好评如潮的佳作,对川剧艺术的影响深远。高马得以国画的形式画昆曲,关良以油画形式塑造了戏曲中的经典人物,绘画与戏剧的结合,在有意无意间,挑起了人们反观传统文化的那根神经。两种艺术语言里,值得人探索、仔细体会的,也许就是那份东方式的生活味道。

2016中国戏剧:回到民间 砥砺前行

时间:2016年12月30日来源:中国文艺网作者:怡 梦

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  “临川四梦”纪念汤显祖逝世400周年展演剧照

  “我曾两次去英国皇家莎士比亚剧团,看他们排练,与莎剧专家一起工作,分析文字中的线索。这让我明白了莎士比亚回到民间、回到老百姓当中去的重要性。其实回到400年前,莎士比亚的作品就是演给市民看的,它的语言非常通俗易懂。”国家大剧院制作的莎士比亚作品、话剧《李尔王》正在为明年1月的首演紧张筹备,导演李六乙的一番体悟,为戏剧带来不少启示。

  让更多观众看到戏剧、看懂戏剧,是很多戏剧工作者一直以来的向往,2016年,戏剧人在不懈追求目标的路途上实现了更多探索。这一年,多地方、多剧种汇聚京城,为人们捧出了一台台地方戏精品剧目。这一年,戏曲、话剧、歌剧、舞剧等戏剧形式各显神通,为人们勾画了一个个动人的中国故事。这一年,汤翁莎翁与全世界戏剧人遥遥对望,相隔400年之久……

  硕果累累

  2015年7月,国务院办公厅印发关于支持戏曲传承发展若干政策的通知,提出加强戏曲保护与传承、支持戏曲剧本创作、支持戏曲演出、改善戏曲生产条件、支持戏曲艺术表演团体发展、完善戏曲人才培养和保障机制、加大戏曲普及和宣传等多项措施。2016年,这一为戏曲工作者所喜闻乐道的“52号文件”发挥了作用,也收获了硕果。

  今年有“豫剧月”。13个演出院团的23场豫剧大戏3月在京展演。不仅河南本地院团上演了《花木兰》等剧目,新疆、河北、山西、安徽等地院团和中国戏曲学院也以《大漠胡杨》《宇宙锋》《吴琠晋京》《印记》《朱丽小姐》等剧目,呈现豫剧在全国多地扎根的可喜景象。有“湘戏月”。12台湖南省原创剧目8月来京演出,湘剧、花鼓戏、巴陵戏、常德汉剧等湖湘剧种剧目和湖南省院团创演的京剧、舞剧作品相继登台。有“闽戏月”。福建省19个演出团体携梨园戏、莆仙戏、闽剧、高甲戏、歌仔戏、潮剧、闽西汉剧、北路戏、提线木偶戏、掌中木偶戏共10个剧种39出折子戏9月来京演出。各地方、各剧种的艺术家将地方戏的魅力传之广远。

  今年有“会师季”。7月至8月,全国31个省区市的31台剧目在京会演,涵盖评剧、河北梆子、襄垣秧歌剧、蒙古剧、辽剧、吉剧、拉场戏、沪剧、扬剧、婺剧、黄梅戏、莆仙戏、赣剧、豫剧、山东梆子、荆州花鼓戏、湘剧、山歌剧、琼剧、桂剧、川剧、花灯戏、藏戏、秦腔、眉户剧、新疆曲子共26个地方戏曲剧种,演出团体多为县级院团,现代戏超过一半,体现了基层戏曲院团的优势与活力。8月至10月,上海、江苏、浙江、安徽、福建、江西、湖南、广东、广西、四川共10个省区市的16台剧目在京会演,涵盖沪剧、扬剧、越剧、婺剧、黄梅戏、芗剧、赣剧、湘剧、花鼓戏、粤剧、潮剧、邕剧、川剧、木偶戏等多个南方剧种的新编历史题材、革命题材和现代题材优秀作品,展现我国南方戏曲深厚的文化底蕴、蓬勃的发展态势。

  今年10月举行的第十一届中国艺术节上,豫剧《焦裕禄》、评剧《母亲》、淮剧《小镇》、京剧《西安事变》等获第十五届文华大奖。学生演出团体打造的湘剧、歌仔戏、花灯戏等地方戏剧种,在今年11月举行的第五届中国校园戏剧节上,亦表现出色。

  竞相绽放

  第二届中国原创话剧邀请展、国家大剧院国际戏剧季、第五届全国少数民族文艺会演、中国艺术节,从3月到10月,各地方、各剧种的优秀剧目竞相上演,几乎覆盖一整年,无论戏曲,还是话剧、歌剧、舞剧,无论抒写传统文化,追溯近现代革命历程,还是观照当代社会现实,讲述中国故事、彰显中国精神是戏剧人的共同追求。

  中华优秀传统文化、革命文化和社会主义先进文化,共同构成了中华民族独特的精神标识。话剧《杜甫》《孔子》《样式雷》、歌剧《蔡文姬》《大汉苏武》、藏戏《松赞干布》、京剧《康熙大帝》等作品,以现代戏剧语言塑造历史人物形象、勾勒著名历史事件,重新捡拾、规整历史为人们留下的精神文化遗产。

  2016年是中国共产党成立95周年、中国工农红军长征胜利80周年,话剧《从湘江到遵义》《红岩魂》《中华士兵》《护国忠魂》《图云关》《祖传秘方》、歌剧《长征》《方志敏》《冰山上的来客》、舞剧《沙湾往事》《八女投江》、京剧《党的女儿》《江姐》等作品,述写革命历程各个阶段涌现出的英雄人物、英勇事迹,唤起中华民族共同历史记忆,以缅怀先烈、凝心聚力。

  话剧《兵者,国之大事》《麻醉师》《生命如歌》《大漠胡杨》《北梁人家》《秦岭深处》等作品,塑造了军事训练中勇于担当的军人、医疗现状下坚守使命的医者、为支援边疆奉献终生的兵团人、为城市建设默默付出的棚户人、在深山老林里研制先进武器的军工人,一系列作品记录社会变迁、剖析心灵选择,呈现为保家卫国、社会主义建设、人民生活幸福,各行各业不为人知的苦与乐。

  并蒂双生

  400多年前,中国明代戏曲家汤显祖和英国文艺复兴时期戏剧家莎士比亚,共同为世人留下了《牡丹亭》《罗密欧与朱丽叶》等戏剧经典。在比较文学研究领域,曾一度习惯将汤显祖称为东方莎士比亚,将《牡丹亭》比作中国的《罗密欧与朱丽叶》。2016年是汤翁与莎翁逝世400年,更加自信的中国戏剧人,在致敬大师、重述经典的同时,也尝试走出西方戏剧话语体系,在以西方语言思维命名的Chinese Opera中发出真正属于Xiqu的声音。

  3月27日世界戏剧日当天,亚洲传统戏剧论坛在广州举行。来自海峡两岸暨港澳地区和俄罗斯、意大利、瑞士、希腊、亚美尼亚、孟加拉、印度、印度尼西亚、伊朗、日本、韩国、马来西亚、蒙古国、尼泊尔、新加坡、塞浦路斯、斯里兰卡、越南等国的戏剧人共同欣赏了上海昆剧团艺术家和广州粤剧院艺术家带来的《牡丹亭》选段,以及由《麦克白》改编的昆曲《夫的人》选段和由《威尼斯商人》改编的粤剧《豪门千金》选段,并借此契机畅谈本国戏剧的传承发展和世界戏剧的未来可能。

  7月至9月,在国家大剧院,上海昆剧团、北方昆曲剧院、江苏省苏州昆剧院、江苏省演艺集团昆剧院的7台剧目将汤显祖的“临川四梦”《紫钗记》《牡丹亭》《南柯记》《邯郸记》全部搬上舞台。国家大剧院制作话剧《皆大欢喜》《仲夏夜之梦》《哈姆雷特》、歌剧《麦克白》,英国莎士比亚环球剧院在京上演的《威尼斯商人》、蒙特卡洛芭蕾舞团在京上演的《仲夏夜之梦》共同致敬中外两位戏剧巨擘。

  9月,在汤显祖的故乡江西抚州,纪念汤显祖、莎士比亚、塞万提斯逝世400周年系列活动举行,包括融入三位大师戏剧元素的巡演、“汤显祖纪念馆新馆开放仪式暨莎士比亚、塞万提斯展区开展仪式”“汤显祖国际高峰学术论坛”“第三届中国(抚州)汤显祖艺术节”等。

  10月举办的第四届乌镇戏剧节上,丹麦共和剧院的《哈姆雷特》、罗马尼亚锡比乌龚剧团的《暴风雨》、中国非空间视觉工作室的《李尔王》、中国香港爱丽丝剧场实验室的《哈姆雷特机器》作为特邀剧目登上“纪念莎翁”演出板块。

8月21日至25日,由广西南宁市承办的2014年中国-东盟文化交流年系列活动“文化走亲东盟行”走进马来西亚,在该国有“东方之珠”美称、被联合国教科文组织列入世界文化遗产名录的槟城举行了粤剧讲习与展演、壮医体验、南宁非物质文化遗产展演等系列活动,在当地特别是马来西亚马来族等民族青少年中掀起了一股股学习、欣赏粤剧和体验壮医的热潮,进一步加深了广西与马来西亚民众的亲情,促进了广西和马来西亚的文化交流。

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粤剧《罗摩衍那》作为一个跨文化的戏剧交流,用粤剧演绎印度经典故事,展现其浓郁的异域风情,南宁市通过“文化走亲”的形式走进马来西亚等东盟国家演出,既展现出伟大印度史诗的人文精神,又彰显广西粤剧特色,以此推动广西、中国与东盟深层次的文化交流。 8月24日晚该剧在马来西亚MPPP市政厅演出掌声不断好评如潮,演出结束时长达12分钟的热烈掌声、欢呼声,表达了来自美国、南非、爱尔兰、印度与当地华人等现场观众对这出跨文化的粤剧艺术独特魅力表现出极大的兴趣与激情。

高马得作品

这次粤剧《罗摩衍那》应邀来到马来西亚槟城参加乔治市艺术节,离演出还有两天门票就售罄,马来西亚对这个已经用了五个剧种演了长达23年的《罗摩衍那》抱以极大的热情。《罗摩衍那》是新加坡戏曲学院创院院长蔡曙鹏博士写于1971年的剧本,并以皮影戏首演,后改编为儿童诗剧、潮剧、黄梅戏、婺剧等多个版本,此次由在马来西亚槟城担纲排演粤剧版《罗摩衍那》的南宁市民族文化艺术研究院,是中国第二个移植演出蔡曙鹏编写的《罗摩衍那》的剧团。本土化是粤剧版《罗摩衍那》的一大亮点,蔡曙鹏在民族的思维方式、价值取向、审美情趣、文化背景、民族心理和风俗习惯等方面重新编排,是一部有永恒道德价值的经典作品。

眼前这位已然80岁高数的老师,是川剧史上第一位女剧作家徐棻。她聊起川剧的那股劲头,是令今天在座的我们都极为动容的,更加令著名创意人物水墨画家彭长征感受到了前辈的创作激情和动力。徐棻手舞足蹈地与我们说起她接触川剧的经历,以及她对川剧在绘画形式上的理解。我们也特别邀请徐棻老师和彭长征老师一起,以川剧与绘画交叉结合的方式,探讨巴蜀传统文化,为我们打开一扇耐人寻味的国粹之门。

南宁市民族文化艺术研究院也有意识地走出华人的圈子特别针对马来西亚马来族、印尼族等族青少年传授粤剧表演基本功,让我国优秀剧种成功传向国外。该市文化交流团在8月22日晚参加了乔治市艺术节戏剧专题工作坊活动,该活动采取剧目介绍与表演、观众现场体验与学习的新颖尝试,让不少喜欢粤剧的青少年提供了一个学习粤剧的绝好机会,办出了一个真正有特色、有影响的系列交流活动,使被认为东南亚最具代表性和活力的艺术节之一的“乔治艺术节”,因有粤剧等东南亚各国优秀艺术剧目的参与而更加精彩。

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《罗摩衍那》是蜚声世界的印度两大史诗之一,是世界文学中最长的史诗,它是在长达数世纪的民间口头流传的基础上发展而成的。它是印度神话的宝库,也是后世印度文艺作品的取之不竭的源泉。这部巨著不仅是印度文化的根源之一,对东南亚的表演艺术也有很大的影响。从缅甸、泰国、柬埔寨、缅甸、老挝、到印尼、马来西亚、新加坡到菲律宾,都有源于《罗摩衍那》的舞剧或戏曲。可以说东南亚是世界上除了南亚以外,受印度史诗《罗摩衍那》影响最大的地区。

关良作品

世界因文化的多元而丰富多彩,人类因文化的差异而相互吸引。“文化走亲东盟行”文化交流团团长、南宁市文化新闻出版广电局副局长于维钢在8月24日晚演出前致词中说,粤剧是海内外深受广大观众欢迎的剧种,有300多年的历史的粤剧,这次受邀来到马来西亚槟城参加乔治市艺术节,仅以这个跨文化的艺术实验,献给东盟各国的朋友们,促进中国艺术团体与新加坡戏剧界的交流。也让中国的观众和艺术工作者进一步了解东盟国家的文化,加强彼此在文化上的相互尊重了解。从长远来说,能促进区域和平。

作为四川的新媒体,也当有这样的使命,去恢复东方人对中国传统艺术的文化认知,反观今天东西方结合式的生活,也许东方式的生活,就是属于我们的艺术。彭长征(著名创意人物水墨画家、《带枪钟馗》《雄起关公》《芙蓉忆》系列作品作者):“中国戏曲有个艺诀:不像不成艺,太像不成戏。这与齐白石老人的‘妙在似与不似之间’是相通的。川剧表演艺术的表现手法是虚拟和写意的,舞台上呈现的都是经过反复训练成型后的精华部分,这其实与中国画的创作方法差不多,适合用中国画的写意来表达。”徐棻(川剧史上第一位女剧作家、曾任四川省文联和剧协副主席、四川文艺终身成就奖获得者):“川剧入画非常有意义。因为画的受众面比较广,又不受时间和地点的限制。川剧作为一门古老的艺术,在戏曲改革的每一次浪潮中总是走在最前面。她既保留了古典艺术的技艺,同时也与生活紧密联系。”

壮族刺绣等南宁市非物质文化遗产项目展示也大受欢迎,乔治市艺术节总经理何润珍对这些非遗项目大为赞赏,她期待今后能与南宁市或广西加深交流,互相走亲,促成更多的项目进行深层次的交流与合作,以谱写中马合作新篇章。

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(谢中国于8月25日凌晨发自马来西亚)

记者:先请两位老师谈谈各自对以绘画形式表现川剧的看法?徐棻:中国戏曲有300多种,川剧在其中可谓独树一帜。因此中国的戏剧界、艺术界包括文学界都很关注川剧,也有画家将川剧与绘画相结合。比如著名漫画家叶浅予先生,就画过不少有关川剧的漫画。还有成都晚报的张鸿奎先生也很喜欢川剧。不管是老戏新戏,他看了就要画,还出版了一部很有艺术价值的川剧漫画集。川剧入画非常有意义。戏剧在舞台上演出,就会受到时空的制约。而绘画不受时间、地点的限制,受众面也比较广。川剧作为一门古老的艺术,在每次戏曲改革的浪潮中总是走在了最前面。她既保留了古典艺术的风貌,同时又与生活紧密联系。早在1952年,就有人用“人气、仙气、猴气”的比喻来形容川剧的艺术个性。戏剧是一种复杂的艺术,要讲刻画人物、讲人物命运,要表现人物各种各样的情感。像川剧这样的古老戏剧,在艺术形式上具有多姿多彩的古典美。为什么许多画家喜欢画“嫦娥奔月”、“木兰从军”这类题材?因为这些人物可以让画家描绘出他想象中的、中国古代女性的东方美。一个画家如果懂得欣赏川剧(中国戏曲),他在表现东方人的神韵方面就比一般人具有优势。中国戏曲(和川剧)除了虚拟性、写意性,还有夸张性,而漫画也是一种夸张和写意的艺术。这,也许就是漫画家特别关注川剧(和中国戏曲)的一个原因。戏曲的形式美在京剧成熟时已达到登峰造极的地步。1952年,政府提倡戏曲跟着时代的改变而创新。在这之后的很多戏曲剧目,乃至审美观都有着较大的变化。人们审美情趣的变化,也是戏曲所要关注的地方。

开放新光彩,二〇一四中华舞剧。新闻链接

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罗摩衍那(梵语:Rāmāya?a,意为“罗摩的历险经历”),此次南宁市民族文化艺术研究院旗下的南宁市戏剧院来马来西亚演出的粤剧精简版,从老国王准备退位演起。庆宗皇帝宣布把王位退让给太子仁昭后,柯贵妃匆匆来到后宫。她提醒皇帝16年前在一战役中救驾后,老国王曾许下日后对柯贵妃一定有求必应的诺言。想不到此刻柯贵妃要老皇帝立刻废太子,另立她的十六岁的儿子任斌为王,并将仁昭放逐到森林中14年。十车王知道为君者要言而有信,只好履行自己的诺言,忍痛将太子逐出宫廷。太子妃习妲和弟弟仁贤都请求随行。任斌告诉兄长罗摩,十四年后一定把王位让回给兄长。仁昭太子等出发后,十车王不胜悲痛,吐血而终。

彭长征:中国戏曲有个艺诀:不像不成艺,太像不成戏。这与齐白石的“妙在似与不似之间”是相通的。川剧艺术的表演也是虚构和写意的,舞台上呈现的都是经过反复训练后的精华部分,这其实与中国画的创作方法差不多,适合用中国画的写意来表达。中国戏曲丰富多彩,各个剧种都有他的地域性,比如昆曲,江苏浙江的人爱听,到了四川,我们听起来就费劲一些。川剧到了广东,广东人听起来也一样。而以绘画来表达戏曲内容的一大好处,就是可以打破这种局限性,和不懂苏州话四川话没有关系了,通过绘画语言让大家看懂一出戏。再如画一幅反映越剧的《梁山伯与祝英台》的作品,给老外翻译说这是中国版的《罗密欧与朱丽叶》,老外一下就明白了戏剧要表达的内容。我画的水墨漫画《带枪的钟馗》,英国驻华大使馆的武官到成都来收藏了一幅。我为其解释说这是中国版的带枪的佐罗,他非常兴奋,这样就把中国的漫画、中国的钟馗传播到了欧洲。钟馗与佐罗都是中西方除暴安良,驱邪纳祥的正能量的形象,通过不同的绘画表现和理解要容易得多。

仁昭、习妲和仁贤到了万毒森林,获得仙人宝弓。不久后,在森林里十头魔王的妹妹苏巴娜无意中遇见仁昭,对这位帅哥一见钟情,死死缠住他。仁贤苦劝不听,在纠缠中割伤苏巴娜的鼻子。苏巴娜回去禀报他的大哥十头魔王,要大哥为他做主。魔王发现了悉妲太子妃,想要抢她回魔宫当皇后......

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彭长征笔下戏曲钟馗

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如果说我来创作以川剧为主的题材,我可能会注意三点:第一是尊重;尊重四川文化,尊重川剧。川剧是培养四川人民的乳汁,培养四川人民的鉴藏,有了认识才更尊重。作为一名画家,我们需要从更加深的文化背景去了解它,才能理解川剧艺术,这才会实现更好的绘画川剧,画家表现川剧的一瞬间,需要更集中典型地去绘画。第二是真实,徐老是文学家也写剧本,小说的成功与否就是人物塑造的真实性,而画家需要更加关注演员在舞台表演塑造这个人物形象的真实性。第三就是创造力,画家去表现川剧上的舞台形象,不能照搬照抄,作为画家要去呈现川剧的美,就需要画家赋予对川剧的理解和表达。记者:对于不了解川剧的大众来说,我们通过川剧的绘画、摄影、艺术衍生品这些来认知川剧,这也许还会让大众离川剧更加近,因为川剧本身就是就承载着太悠久的历史。徐棻:不管是川剧或是话剧,只要是戏剧,都是比较复杂的艺术,而且一定要在舞台上表现,才有最佳效果。当然,从屏幕上看看某个戏是什么样子也未尝不可。不过,那样看见的就只能是一些皮毛,而不能真正认识戏剧是什么,更不能感受到戏剧艺术的魅力。

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有七百多年历史的中国戏曲,是艺术家祖祖辈辈创造、积累、传承下来的智慧结晶,在世界艺术之林中独一无二。戏曲(包括川剧)可以说是很丰富的美学宝库。戏曲中有趣的技巧也很多,比如川剧的变脸,吐火、变胡子等等,都已经享誉国内外,都可以单独表演。只是,这种纯粹的技巧展示,只能算是雕虫小技。技巧若在戏曲中表现某个人物,表现一种思想,表现人物关系,它就是一种艺术。若是脱离了戏剧而独立出来,那就和艺术无关了。所以,技术和艺术是大不相同的。比如单独表演“变脸”,那只是一种有趣的技艺,无关人物性格,没有赋予思想。“变脸”只有到了戏中,在戏中表现人物的思想、人物的感情时,才能叫做艺术。1952年全国举行了一次戏曲汇演。很多地方发现当地没有戏曲,于是把本地的曲艺加以发展,再借鉴古老剧种的演出形式,就成了一个新的地方戏曲。比如东北的吉剧、龙江剧的母体就是二人转。所以现在的戏曲分两种:一是新兴剧种,一是古老剧种。新兴剧种演出现代戏比较多,因为它没有什么传统剧目,而古老剧种却有流传许久的传统戏。从审美的角度看,戏曲综合了说唱、舞蹈、杂技等艺术,可谓包罗万象。比如划船、骑马、开门、走路,都是好几种艺术的“化合”。所以,戏曲有“唱、做、念、打(舞)”的程式(规范化的、有特定意义的动作),和“手、眼、身、发、步”等功夫。也就是说,戏曲的表演连每个手势、每个眼神都有讲究,都需要训练。但是,不进剧场就很难品味到戏曲的这种美。看看那些零碎的小技巧,不能懂得什么是戏曲。

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彭长征笔下戏曲关公

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彭长征:我记得有一出川剧叫《衲袄清红》,是用交响和伴奏的演出剧目,在国内和欧洲的演出不俗,反响不错。这些喜爱交响乐的观众都是有兴趣来了解川剧,也可以让川剧戏迷更多的了解交响乐,含有全新的艺术体验。关键在于这个剧目原汁原味的川剧剧情、帮腔。打击乐曲的每一个细节,都原封不动的呈现并参与到交响乐中去。川剧和绘画都应当以自身的创作,去适应显然已走上高速路的社会,适应今天的风云际会,在强手如云的生存竞争中保持一席之地。这个话题让我想起两个值得尊敬的绘画家,一是关良,一是马得。关良用国画和油画画戏,马得用水墨漫画画戏,我更喜欢马得的画。在著名漫画家方成那里我读过马得的作品。他把漫画艺术的夸张和中国画的技巧结合得很好。他的作品把昆曲画推向世界。在东南亚和欧洲一些国家,许多读者都是通过他的画进而了解昆曲的,昆曲大师俞振飞对于他为昆曲所做的贡献也是甚为感激。马得的作品还获得了联合国教科文组织所给予的奖项。这样的创作尝试进入到了一种美妙的时代创作中。记者:所以戏曲中其实也包括了很多的视觉元素,音乐、舞蹈、绘画,但戏剧反过来也作用于这些元素,它们是交叉结合的。徐棻:有的歌曲也源于戏曲,比如电视剧《红顶商人》的主题曲。各个地方戏曲的区别,主要是音乐和语言的地方性。但是别的方面,特别是表演程式和演出方式,各地方戏的整个风格是一脉相承的,大同小异的。因为他们都发源于七百多年前的、以大都(北京)为代表的元杂剧,和以浙江(昆山)为代表的南戏。彭长征:川剧在舞台上的美学,在舞台意境创造上和中国画的意境表达应该有异曲同工之妙。中国画的以白设黑,虚实相生,使画面意境深幽,戏曲的舞台演出也不会一味的让人眼花缭乱,目不暇接,而给观众以适当的遐想空间。比如在与高科技的结合中,更好地为传统的表演艺术添彩,满足观众不同的审美和多元化的需求。

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彭长征笔下戏曲武松和潘金莲:人间情多,真爱难说,心里能有几分把握,来来往往,你你我我,谁又知道最后的结果?

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记者:拉通戏剧与绘画之间关系的那根纽带是什么?徐棻:中国戏曲的传统就是大写意,起源于祭祀活动或逢年过节的娱乐活动。一些节目因民众喜闻乐见,农闲时也有人进入城镇表演。在漫长的过程中,这些演出逐渐演变为一种成熟的艺术——戏曲,同时也形成许多专业演出戏曲的团体——“班社”。可是,七百多年中的六百多年,中国是没有电灯的。城隍庙里的高台,富贵人家的厅堂,只要有几盏油灯照明,再摆上一桌二椅,就可以演戏了。后来稍有改变,可以用煤气灯。再后来才有了用电的“灯光照明”,也有了布景乃至“机关布景”。舞台上虽然添加了这些东西,但丝毫没有改变戏曲的表演程式和演出方式。从前,码头就是人与物的集散地,剧团长年在各个码头演出,戏班对此叫做“跑码头”。直到近代城市的兴起,有了大量的市民观众,一些剧团才走进剧场,在城市里“落户”。可见,中国戏曲的特征虚拟性和写意性,也和农业社会的经济发展水平有关。当然,更重要的还是中国人的思维方式和审美情趣。重感性、重想象的中国人在创作戏曲的过程中,必然重写意、重意象,这就形成了独一无二的、中华民族的戏曲艺术。从这个角度看,我们可以骄傲地说:全世界只有一个中国戏曲!全世界只有一个川剧!彭长征:川剧的表演是写意的,它给我们塑造了一种感觉上的真实,跟国画一样,要留白,要制造思考,这跟中国人的审美体系是一致的。中国戏曲的审美趣味与中国绘画的审美趣味,在这点上有异曲同工之妙,两者都会给中国的艺术家提供新鲜的创作思想。川剧在四川文化的精华部分,还有很重要的一点,就是过去的许多人学习文化,一种途径就是通过戏曲,从戏曲情节中感知人情世故。徐棻:对,戏曲是中国人传承道德观、价值观的一个途径。比如怎样尽孝,怎样感恩,怎样待人接物都在其中。彭长征:就好比我上面说的第三点,创造,画家赋予川剧的理解和表达,用画笔去还原,比如秋江里的小尼姑,她跳上船去的姿态一出来,一种写意的感觉跃然。无论是中国戏曲,还是中国绘画,作为中国的优秀传统文化的一个重要组成部分,要做到可持续发展,不能纯学术或纯艺术化,要深入浅出,用喜闻乐见的方式向大众展示文化和艺术的魅力。徐棻老师说,年轻人对中国的传统文化,应该有一种敬畏之心,切勿妄自菲薄。她说,中国人和自己的文化是血脉相连的,中国的传统有很深厚的功底。对于西方的文化艺术,我们可以了解,可以参考,可借以拓宽思路,也可吸收而化用,却不可在盲目崇拜、简单模仿中消解了本民族的艺术特色;不可将本民族的艺术融化在他民族的艺术中从而失去了自己。采访接近尾声的时候,我们请求徐棻老师为我们题一句话。她戴上眼镜端坐在桌前,认真地写下:“多看看川剧,会帮助你理解人生。”创意人物水墨画家彭长征与中国戏剧名家尚长荣、魏明伦、方亚芬、沈铁梅等

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川剧名家周企何公子---旅美著名画家周平光向彭长征讲述了众多周企何先鲜为人知的艺坛往事

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彭长征笔下的周企何:川剧艺术多杰作,非诚勿好生活。传统艺术提醒下,超级媒婆周企何!

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