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我尝试让观众带着想象力“演戏”——专访著名戏剧编剧喻荣军

时间:2013年03月29日来源:《中国艺术报》作者:高艳鸽

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 话剧《活性炭》剧照

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 话剧《资本·论》剧照

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 喻荣军

  ■ 剧场给人的感觉就是“局限”这两个字,但这局限里面,有无限的空间,无限的能量,无限的可能性,你一头扎进去,会发现里面太美丽了,有太多东西都可以做,你可以跟观众互动,跟创作者互动,跟自己互动,跟自己的过去、未来互动。

  ■ 有时候是我领着观众走,有时候是观众领着我走,有时候是观众推着我走,有时候是我们边打边闹地一起往前走。观众是我始终关注的,因为戏剧没有观众就没办法演出。

  虽然喻荣军是上海话剧艺术中心的副总经理,但这次专访,记者要挖掘和还原的是作为编剧的喻荣军。今年3月,上话受邀携3部话剧参加“首都剧场精品剧目邀请展”,其中两部戏《资本·论》和《活性炭》都由喻荣军编剧。事实上,他是位高产编剧,十几年来,他创作的戏在舞台上演出的有四五十部,仅去年一年,就有他编剧的6部新戏排演。和很多创造力旺盛、天马行空的创作者一样,他才思敏捷,语速很快,当然还有最重要的一点是,不重复自己。

  很难定位《资本·论》是部什么样的戏

  记者:话剧《资本·论》是上话在2008年爆发全球性金融危机的时代背景下创作的,能不能讲下创作过程?你在编剧之前懂资本、金融吗?

  喻荣军:这个戏最早是徐峥、何念和我,我们三个人做的,我们最初都不懂金融和资本。我把马克思的《资本论》整部原著读了,有些地方读了好几遍,但没有完全看懂,因为有些东西太复杂了。看完后我花了一年多时间写了一个剧本,把我对《资本论》原著的感觉,和当时金融海啸的现实情况结合在一起,写了一个类似于科幻题材的戏,讨论了资本和经济、政治和经济、法律和经济以及艺术和经济的关系。写完拿给何念看,他说没办法排。然后我们又看了很多书,像《美元大崩溃》《经济危机》以及一些经济学家的书,最后我们决定重新写个剧本,就是现在的这部《资本·论》,我花了一个星期写完给了何念后,在排练的过程中也一直在修改,何念的创作方法就是这样的,执导时会加入自己的想法。

  《资本·论》这个话剧要反映现实,所以我们就让戏里的故事发生在上话。每个人在这部戏里都会看到很多现实的东西,看到在人的贪欲面前,欲望和资本之间相互驱动的关系。这个戏一开始是发生在剧场里的故事,像纪录式舞台剧,后来变成普通的话剧,然后变成歌舞剧、政论剧、荒诞剧,最后又回到剧场,几十年的时间跨度就过去了。我们在其中也讨论了戏剧应该做什么,戏剧和经济的关系,戏剧和政治的关系,以及在全球化的影响下,我们现在应该追求什么,是否该继续追求梦想等,这是所有人都应该反思的话题。

  记者:第一稿和第二稿差别很大,为什么会有这样的改变?

  喻荣军:其实更多的是想让观众能切身感受到资本和欲望发生关系的过程。一稿可能更像一个正剧,但如今的这版《资本·论》,我到现在都没办法定位它到底是个什么样的戏,它既像音乐剧,又有很多歌舞,又有话剧的成分,还有现场互动。这部戏每轮演出都会作改动。演到第二年时我删掉了两场戏,增加了一场演员和观众互动的戏,观众的5元钱会变成10元,10元会变成20元,50元变成100元……他们现场会赚钱。通过这个过程让他们了解资本是如何运作的。这些东西可能不太容易说清楚,但一互动,观众就明白了。

  记者:这次上话来京展演的另外一部话剧《活性炭》也是你编剧的,这是一部严肃的现实主义题材话剧,跟《资本·论》风格非常不同。

  喻荣军:现在的年轻人对“文革”不是很了解,所以我就写了这个跟“文革”有关的故事,探讨我们到底应该用什么样的态度对待“文革”。这个戏很多省的话剧团都排演过,但让我挺恼火的是,他们总是改戏的名字,改成《离婚的柠檬味儿》《冬天的华尔兹》《离婚了你别找我》等。在这部戏里,他们看到的是两代人婚恋观的冲突、城市和乡村的差别。他们可能觉得《活性炭》这个名字不够商业化,但我是有寓意的,活性炭有净化作用,它能净化心灵。对于那个时代人们犯下的错误,我们应该抱以什么样的态度?现在的年轻人是否真正知道当时发生了什么?这些是我想通过这部戏表达的本意。

  一个词就可以放大成很多东西在剧场里探讨

  记者:《资本·论》是在当年金融危机的大环境下创作的,可能算是半命题作文。你在上话写的剧本,是自由创作的多,还是写这种“命题作文”多?

  喻荣军:我创作的戏里“命题作文”很少,基本都是我自己想写的。我想写的戏我才写。我写的戏,到目前为止有45部已经演了。

  记者:只看你的作品目录就能感受到题材的丰富性。什么样的故事或者人物,会使你有创作的兴趣和欲望?

  喻荣军:有太多东西可以写了,真的是写不完的,并且各种各样的题材我都想去尝试,不太想重复自己。可能我越来越多的戏会跟我们这个社会有关系,融入了我的思考在其中。比如我现在正在写的两部戏《老大》和《星期八》。《老大》是讲我们经过30年的发展后付出了什么样的代价的,我想探讨的是我们如何对待传统、以什么样的精神状态去迎接时代的改变。至于《星期八》,我在其中讲了四个人的故事:理查三世,一个黑社会青帮老大,三年自然灾害时安徽一个饿死的农民,一个自杀的大学教授。在这部戏里,我讨论我们如何看待历史、历史跟我们现在的关系、历史是谁书写的。这样的话题在剧场里探讨会很有意思。上话以前做的戏比较单一,但现在我们一年要演50部戏,除了编译剧,有一大半是原创戏,我们要给观众提供多元化的内容,所以什么样的戏都会做。

  记者:刚才你讲的《老大》和《星期八》这两部戏,我觉得主题都很厚重。

  喻荣军:有厚重的,也有不太厚重的,比如我刚开始创作时写的戏。我写的第一个戏是《去年冬天》,关注的是外地人在上海、上海人的子女在国外这样相互之间类比的关系,是讲人与人之间怎样沟通的一个戏,我觉得不怎么厚重。在很长一段时间内,我比较关注城市中人与人之间的关系。

  记者:这一点是怎么体现在作品中的?

  喻荣军:比如《www.com》,关注的是年轻人的价值观,他们对待婚恋的态度;《谎言背后》,关注的是都市人之间相互审视的那种状态,我觉得这很有意思,就通过讲述一个警察审一个犯人的故事,把这种状态呈现出来。这部戏下个月会在洛杉矶演,是当地的剧团演出的英文版。

  记者:在这之后你发生了什么改变?你在戏剧里关注什么?

  喻荣军:后来我跟不同国家的艺术团体合作做戏,上话曾和新加坡合作过一个戏叫《漂移》,在这部戏里,除了说新加坡人在上海和上海人在新加坡的经历和体验,其实我写的是一个文化母体发展的多种可能性。当代都市人生活节奏太快,导致有时丢掉了灵魂,这就是一种漂移——疾速行驶的车拐弯时的那种状态。我把这种状态放到了戏里去写。这个戏很多国家的院团排过,可能大家都有同感。以前,我会找到一个点就去做一部戏,而现在,有时候可能一个词就会促使我去写一个剧本,因为这个词可以放大成很多东西在剧场里探讨。比如《星期八》是谈论历史,《资本·论》是谈资本。

  记者:你的这种改变是有意的还是无意的?

  喻荣军:应该是有意的。创作是天马行空的,什么东西都可以做。剧场给我的感觉就是“局限”这两个字,但这局限里面,有无限的空间,无限的能量,无限的可能性,你一头扎进去,会发现里面太美丽了,有太多东西都可以做,你可以跟观众互动,跟创作者互动,跟自己互动,跟自己的过去、未来互动。

澳门新葡萄京官网网址曲直剧社的炼剧艺术,首都剧场7月。  现在有些人看到剧场就感到手足无措,不知道该怎么做了,就是因为没有打开,题材、思路、视野没打开。创作者应该了解更多的东西、了解世界前沿发生了什么,我们跟不同国家的艺术家甚至不同的艺术跨界合作、碰撞,就有打开的可能性。

  我们和观众之间是在进行一场战争

  记者:你写的戏很多票房都不错。

  喻荣军:是的,但我对票房不太关注。我自己就是做经营、做市场的。2000年到2005年,这个阶段看戏的人太少了,我们要让观众走进剧场,所以我们做的戏会考虑跟观众和市场的关系,考虑什么样的戏票房会很好。比如《www.com》《去年冬天》《卡布奇诺的咸味》《谎言背后》《天堂隔壁是疯人院》等,都是票房很好的戏,因为我知道观众想看什么样的戏。

  后来,我觉得不能仅仅是这样,我们要引导观众,告诉观众什么样的戏才是好的,观众也需要往前走的,这是个相互促进的过程。所以我觉得我们和观众之间的关系是一场战争。有时候是我领着他走,有时候是他领着我走,有时候是他推着我走,有时候是我们边打边闹地一起往前走。观众是我始终关注的,因为戏剧没有观众就没办法演出。

  我之前写过一个戏叫《光荣日》,我不希望这个戏有很多人喜欢,只要一部分观众能明白我想表达的东西就行,这些观众是跟我一块儿走的,能和我产生共鸣的。有些观众进剧场仅仅只为找乐子,是不愿意思考的,这些观众是我摒弃的,我不需要和这部分观众在一起。

  我现在尝试着让观众在看戏的过程中带着很多想象力去“演”这部戏。比如我这次做的这部《星期八》,舞台将会简化到极致,只有一个演员,在舞台上演4个人,每个人的视线中会有几十个人物出现,也都由这个演员演。他基本是在表述,有时候也会演,大量的空间会留给观众,他们靠自己的想象参与演出。这个演员同时也是这部戏的导演,这很好玩。

  记者:也就是说,近年来你的创作更多地倾向于表达自我了?这种表达自我会不会和票房产生冲突?

  喻荣军:有时候会产生冲突,但我相信观众是在不断成长的。在2000年左右的时候,戏剧观众特别少。在上世纪90年代,我们曾经有过台上演员比台下观众还多的经历,但那时候好多新观众只要到剧场里去就会很开心,后来就变成台上必须有他认识的人他才开心,后来又变成你写的东西他喜欢他才会开心,再后来,观众会说,我已经达到一定的欣赏层次了,你必须在我这个层次之上我才开心。所以跟观众之间的这种互动一直是存在的,我现在的自我表达,也会考虑那些跟我一直走过来的观众,会给他们写一些戏。但在作为上话的经营者和管理者的工作当中,我会抓每一个观众进剧场。

澳门新葡萄京官网网址曲直剧社的炼剧艺术,首都剧场7月。  记者:你觉得海派话剧有什么样的特点?上海的城市气质是如何融入到戏剧当中去的?

  喻荣军:近几年上海话剧的发展方向有三个:一个是白领戏剧,跟年轻观众有关;一个是悬疑戏剧;还有幽默的当代喜剧,这是让观众走进剧场的戏。上海的话剧,跟社会热点联系可能更紧密一些,尤其是反映社会现实的家庭伦理剧,在北京看到的比较少,上海相对比较多。我们2000年开始做白领戏,几年后北京也在做,但的确不一样,上海白领戏更注重情感方面。还有观众认为上海的戏更洋气,北京的戏更中国。

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一出话剧最初是什么样子?它最终是怎样炼成的?隐匿在舞台之后的时光和心血都去了哪儿?黑白剧社的桂迎老师和她的学生们对此有更深地感触。在大学校园自由而新锐的戏剧环境里,他们一直像在对待艺术品一样不断打磨、炼铸自己的原创话剧,这样的虔诚也使黑白成为浙江大学校园戏剧的一个高度。他们的原创话剧大多来源于真实的校园生活,他们有本领把校园原创话剧做得像专业剧目一样好看,很多浙大学生毕业之后仍然对黑白的原创话剧念念不忘。黑白剧社的成熟与专业,使它在校园戏剧艺术的探索之路上已经走得相当远。喜爱黑白演出的人,一定都会被它的剧本本身所打动。这些剧本的原型都来自司空见惯又被忽视的校园生活,但是到了黑白的手中,就成了非常经典的戏剧素材。桂迎认为,并不是校园生活没有内容,而是创作者缺乏关注和发现校园生活内容的态度和能力。校园原创话剧的起始动力,应该来自现实的情怀和凝神关注的姿态。黑白的一部分原创话剧采用工作坊的形式进行创作,在沟通和互动中挖掘出校园事件背后的东西升华为戏剧。2004年冬天,黑白开始创作校园话剧《辛迪·蕾拉》。这出大获成功的剧最初来自一条校园新闻,经过大家对事件的讨论之后,剧本交由剧社里一位学工科的学生编剧。编剧以他真实的生活体验,将这个故事设置在一个工科实验室里,而半个灰姑娘形象的女主人公也浮出水面。但是在第一次讨论时,原剧本的整个剧情就被推翻了,只保留了五个人的人物性格。这样的推翻和重构在黑白的剧本创作过程中是再平常不过了。桂老师也说,这个过程有时候也可能伤害了编剧,但是一个人去做一个戏,就会有局限,摆在大家面前一起讨论分析,某些情节和脉络也会渐渐清晰起来。每次排练的过程也是创作的过程,“每天都在人物里打滚,排出来,在舞台上立出来,发现什么问题再改,甚至连写四稿也不为过”。黑白的一部原创剧从开始到相对成熟大约需要三四年的时间,其间经历一系列的修改,从初稿到相对成熟的版本,几乎见证了好几届成员共同的智慧和努力。在一次次的舞台实践和观众的反馈中,剧本得以一步步地完善。2005年1月,《辛迪·蕾拉》首演于浙江大学紫金港校区小剧场,学生反响强烈,但剧组对于剧本仍有诸多不满意的地方。2005年9月,二版的《辛迪·蕾拉》参加亚洲当代戏剧季的演出,在演出第一天后,剧组就根据专家意见对剧本进行了结构上的调整和个别情节的合理化改动。2006年8月,去北京参加中国大学生戏剧节的时候,黑白又对《辛迪·蕾拉》的剧本进行了第三次修改,去掉了原来剧本中很多说教的台词,加强人物心理的动作性。桂老师说,校园话剧与剧场里看的话剧不同之处在于与观众之间的互动。演员在舞台上演,观众在底下的反映看得清清楚楚,观众在笑的东西,说明跟现实生活脱节,就删掉。在呈现中修改也是黑白独有的风格之一。对于剧本创作的精益求精,让黑白近几年呈现的原创剧个个成了经典,从三年磨一戏的《辛迪·蕾拉》,到去年的原创大戏《迷城》。磨炼剧本的过程也考验着桂老师和她的学生们。《迷城》创作的最初阶段一直处于瓶颈状态,始终未能找到呈现的可行性,直到找来二稿的编剧,重新选择了演员,到国庆最后一晚的连排时,排练场上才响起了掌声和欢呼。桂老师在导演手记中写道:排练带来的不仅是剧目的完成,更重要的是一群人做一件事情的专注与收获。带着这个经历坎坷的剧,黑白接受了上海大学生戏剧艺术节的邀请,参与了去年10月下旬的两场演出,都取得了巨大的成功。黑白有个传统,是在谢幕结束观众离场时,所有演员带妆站在剧场门口鼓掌欢送观众,嘴里喊着谢谢大家,直到观众走远了,所有的演职员还要朝观众离去的方向深深鞠躬,喊着谢谢大家。这个传统已经延续了很多年,成为黑白剧社最经典的场景。(见习记者 邢人俨)2008-10-22

  当代名家名作改编话剧再次释放有力信号。记者7月4日获悉,由上海话剧艺术中心和国家大剧院联合制作、作家毕飞宇获茅盾文学奖作品《推拿》已完成前期剧本改编工作,在国家大剧院宣布建组。该戏将于今年9月4日在北京国家大剧院首演,10月中旬将在上海话剧中心演出。从王安忆的《长恨歌》、格非的《人面桃花》、陈忠实的《白鹿原》、余华的《兄弟》和《活着》,在原创剧本稀缺的当下,一系列文学性与社会认同兼备的当代小说被改编成戏剧剧本的做法正在话剧舞台渐成趋势。

  上海展演海报

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  借力文学未必叫好

  人民网北京2月26日电 受北京人艺之邀,上海话剧艺术中心将于3月13日至3月31日携三部具有海派特色的精品剧目“做客”人艺。此次亮相“2013首都剧场精品剧目邀请展演”的三部作品分别为阿加莎·克里斯蒂经典法庭大戏《原告证人》、原创舞台剧《资本·论》、原创小剧场话剧《活性炭》。

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  而戏剧如此频繁地向小说借力改编,也从一个侧面反衬出当代原创剧本的弱势。对此,上海评论家毛时安认为,戏剧文学原创力的“缺席”,实际上已成了制约中国当代话剧发展的巨大“瓶颈”。而传统的、现实主义的戏剧在其中又显得尤为稀缺。这表明,对当下的社会生活、人生境遇和当代人的内心世界,戏剧给予的关注是不够的,说“缺少作为”毫不过分。

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  今年3月北京人艺《茶馆》将前往南方三地巡演,闲下来的首都剧场则将如约举行“2013首都剧场精品剧目邀请展”,为北京观众带来两部来自以色列的精品及三部上海话剧艺术中心的精心之作。

  在这样的大环境下,向当代作家、特别是获奖小说借力,似乎就成了最具有保险系数的事儿。据悉,像毕飞宇这样当今活跃在文坛的一线中生代作家,多有作品搬上话剧舞台,由于作家本人和得奖作品的双重号召力,一定程度上保证了改编话剧的票房。但一个突出的现象却与这股蜂拥而上的改编潮形成反差:在大量借小说之“壳”登上舞台的作品中,却鲜见叫好的例子,有业内人士表示,改编能否找到戏剧的“魂”才是关键。

  《原告证人》北京展演海报

  3月4日至10日,两家以色列国家剧团的代表作将在首都剧场分别演出3场。以色列卡梅尔剧院是以色列最优秀的剧团之一,创建于1944年,迄今为止已成功上演500多部式样丰富的舞台作品,是一家多产且多元的国际一流剧院。该剧院因《安魂曲》一剧被国内观众熟悉,该剧充满想象力的诗意演出给中国观众留下了深刻印象,也创下了三次受邀赴华演出且场场爆满的奇迹。本轮邀请展演,该院带来一部现代题材的作品——《手提箱包装工》,该剧首演于上世纪八十年代,由《安魂曲》的编剧哈诺奇·列文执笔,是其早期喜剧的代表。该剧几乎没有布景,甚至没有完整的中心故事,编剧截取了特拉维夫郊区5个家庭的5个生活片段,22位演员们拿着手提箱,推着移动阳台,在舞台上反复穿梭,日常生活和送葬队伍在空旷的舞台上交叉出现,编剧以心理学家的洞察力和诗人的想象力,勾勒出现实的残酷和冷漠。该剧被认为是列文所擅长的“邻里关系”系列剧的典范,剧中五个家庭的五种亲子关系更是淋漓尽致地描绘出了父母对孩子无私的爱,和孩子为了生活对父母造成的难以改变的伤害,令观者扼腕叹息,难以平静。

  戏剧效果并不理想

  阿加莎经典法庭大戏《原告证人》 再现纯正英式法庭

  与卡梅尔剧院相比,以色列盖谢尔剧院的历史尚短,但也颇具特色。如果说卡梅尔剧院的《手提箱包装工》解答了没有故事的戏怎么演,那么盖谢尔剧院的《唐璜》则解答了耳熟能详的老戏如何新作。西方花花公子唐璜的故事家喻户晓,在盖谢尔剧院的此次演出版本里,导演莫尔夫不仅又进一步放大了唐璜的反抗精神,还不惜笔墨地刻画了时代的新“唐璜”们,讽刺了那些愤世嫉俗、自私自利,一切以自我为中心,一切以快乐为标准的伪唐璜。

  今天的发布会上,毕飞宇显得相当淡定。跟余华一样,自打将《推拿》的改编权交给了编剧喻荣军后,他就有种“嫁出女儿的感觉”,完全不参与二度创作。他只希望,话剧能和小说一样,不要去强化讲述盲人社会与健全人社会间的区别,“就像我们这个时代看上去双目炯炯,但有时候也会觉得它是盲目的”。而喻荣军则透露,《推拿》小说原作中独特的心理描写和多点推进的方式,开始确实难住了他,第一稿写了3个月,得到的反应是“太忠于原著”,不理想。

  上海话剧界的“阿婆热”从未停止过。由上海话剧艺术中心和捕鼠器戏剧工作室联手打造的一系列阿加莎·克里斯蒂话剧在上海长演不衰。去年,由青年导演林奕执导的《原告证人》被搬上上海的舞台,这也是该系列话剧规模最大的一部话剧,从主演到群众演员共有38位演员同时出现在逼真的法庭,在舞台上震撼重现纯正的英式法庭。观众评论:“一部让我鼓掌20次,每次持续半分钟以上的话剧”、“理智与情感并存,辩论与怀疑交织,一部让人看得过瘾,猜得到开头猜不到结局”。

  剧中唐璜的扮演者萨沙·杰米多夫是以色列当红偶像,除戏剧之外,出演了众多电视电影作品,在以色列有着极大的票房号召力和社会影响力。另外,该剧的舞美设计别有新意,极具张力。几块白布瞬间转变成蔚蓝大海,而帆船一转身即成居民小楼,红与黑交错的主色调展现了浓烈的异域风情。

  相似的困惑在很多小说改编话剧中普遍存在。日前,女作家方方根据自己的小说《树树皆秋色》改编的话剧《好听的都是伤心的歌》在北京热演。但据看过该剧的一些业内人士透露,整部戏看下来,给人的感觉还是小说味儿十足,戏剧效果并不理想。更有人一针见血地指出,整出戏像是用戏剧的形式在演小说。

  本次赴北京演出的《原告证人》全部角色由上海首演版的原班人马担当,上海话剧艺术中心艺术总监吕凉亲自挂帅,出演足智多谋威风凛凛的皇家律师“罗巴茨爵士”。舞台版《原告证人》由小说女王阿加莎·克里斯蒂亲自执笔,改编自她的同名短篇小说,是克里斯蒂本人最得意的戏剧作品,她亲自创作的不同于小说版本的舞台结局,也使其成为她在西方最受观众喜爱的舞台作品。《原告证人》1953年在伦敦连续上演468场后,继而被搬上百老汇舞台上演645场并获得纽约剧评家协会最佳外国戏剧奖。此后于1957年,被改编成同名电影,搬上了好莱坞的大荧幕。由著名导演比利·怀尔德执导,查尔斯·劳顿和玛琳·黛德丽主演。这部改编电影获得了诸多殊荣,其中包括7项奥斯卡提名。去年,上海话剧艺术中心国家级女演员宋忆宁凭借《原告证人》中的“罗曼”一角而获得第14届“白玉兰”主角奖。此次北京演出,吕凉、宋忆宁、杨溢、许承先、曹雷、李建华等一众资深实力演员仍将鼎力加盟。该剧将于2013年3月13日至3月17日在北京人艺首都剧场连演5场。

  另外,3月13日至3月31日,首都剧场还将和上海话剧艺术中心合作引进三台剧目,分别是国外经典法庭话剧《原告证人》、现代题材原创舞台剧《资本·论》,2012话剧金狮奖作品《活性炭》,上海话剧艺术中心将协同老中青三代艺术家们赴北京人艺展演。

  必须找到话剧语言

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  国外经典法庭话剧《原告证人》由阿加莎·克里斯蒂亲自执笔,改编自她的同名短篇小说。本剧充分继承了上海戏剧强于制作海外翻译作品的艺术特点。在演员阵容上既有老一辈表演艺术家许承先、曹雷等,也有中年台柱吕凉、宋忆宁、杨溢等,而且还齐聚了新生代青年表演骨干贺坪、刘炫锐等。由喻荣军编剧、何念导演、田水担任复排导演的原创舞台剧《资本·论》,创作灵感源自马克思著作《资本论》,是一部集创意、品质、多元于一身的话剧。小剧场话剧《活性炭》,由喻荣军编剧,吕凉导演,讲述了现代都市中两位刚刚离婚的都市白领,因为老岳父突然赴沪看病,而只得继续伪装成夫妻。老父亲的介入,使这对年轻人再次拥有面对面的机会,最终打破心结、破镜重圆。

  这种现象在当代小说改编中很多见。对此,上海戏剧学院教授丁罗男表示,小说改编话剧必须要找到话剧的语言,而不仅仅是按照小说的方式来进行舞台叙事。同时,还有一个问题值得讨论,回顾现当代戏剧史,曹禺、老舍等文学大家,都曾以经典的戏剧名作立于中国文坛。但是,我们也必须注意到,大师们所创作的话剧几乎都是直接创作的,很少有像萧红的《生死场》那样改编小说成功并成为经典的。这就牵出了另一个问题,是不是优秀的小说就一定适合改编剧本?

  《资本·论》北京演出海报

  据了解,经过7到8稿的重复修改,《推拿》的剧本最终定稿,是否交出了令人满意的答案,则须等该剧上演之时才能见分晓。但喻荣军坦陈,最终为自己带来突破的是毕飞宇的一句话。他说:“你完全可以从我的小说中跳出来,想怎么改就怎么改。”

  独创金融题材舞台剧《资本·论》 展现上海城市性格

  毕竟,无论舞台还是银幕,改编名家名作都非讨巧之事。关键在于从小说到戏剧所发生的化学反应,而这种化学反应正是属于话剧自身的独特语言。

  由喻荣军编剧、何念执导的舞台剧《资本·论》自2010年首演至今,一直激荡着戏剧界和金融界,每轮演出都能掀起一次又一次关于“资本”的热议。独特的金融题材以及舞台上的创新演绎吸引了众多新老话剧观众走进剧场。《资本·论》是一部很难被归类的剧目,它同时具有黑色幽默,现实讽刺的特点以及百老汇音乐剧歌舞的表演形式。它将马克思的经典著作《资本论》和美国华尔街的金融危机结合了起来,晦涩的经济学理论在这里得到了深入浅出的解读,小沈阳、高价房、风险投资等层出不穷的社会现象也在此之中被更加锐利的折射出来,每个人都能在这部剧中找到自己的影子。

  

  编剧喻荣军经过两年的积累和沉淀,也不断在完善剧本,许多与时俱进的新元素和新点子都在不断加入剧本中。喻荣军说道:“《资本·论》是一出主题先行的作品,而这个主题早就是我们生活中的一部分,不管我们愿意不愿意,在现在的市场经济社会中,总逃脱不了‘资本’这两个字的纠缠,正确认识才是关键。我觉得这样的主题非常有意义,它尤其适合上海的城市性格。在剧中,我们以各种不同的艺术形式来丰富与展现这个主题,它将是音乐、诗歌、舞蹈、影像、戏剧、肢体等多种表现形式的综合。”喻荣军也表达了对观众看完该剧后的期待,“我希望观众在愉悦之后有一定的思考,尤其是对与资本相关联的社会主题的思考。也许,大部分观众走进剧场是为了休闲与娱乐,但剧场是一个思考的空间,我想让观众在娱乐之余能有丁点收获,希望这不是奢望。”去年11月,《资本·论》首次走出上海展开世界巡演,首站便是香港。当时主创们对于在香港演出后的反响还有一丝担心,怕本土的原创剧目在香港会“水土不服”。但事实证明,大家的担心是多虑了。首演过后的掌声以及之后来自香港观众和戏剧界的各方评论,给主创们带来了莫大的鼓舞。《资本·论》成功把香港观众也拉近了这场关于艺术、资本和市场的大讨论中来。

  今年3月,《资本·论》全球巡演北京站即将起航,将于3月20日至3月24日在北京人艺首都剧场上演5场。届时在京演出还将保留去年班底,较之不同的是,此次全能型女导演田水不仅担任复排导演,还将亲自上阵担当剧中主角。剧中男主角的重任依然落到了上海话剧艺术中心新生代偶像实力派演员刘炫锐肩上,去年由他参演的话剧《12个人》在京也获得空前反响,他凭借与身俱来的幽默细胞让京沪港三地观众见识了其独特的个人魅力。

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  《活性炭》北京展演海报

  温馨小剧场话剧《活性炭》 带上父母和爱人齐分享

  此次展演中,除了《资本·论》之外,另外一部风格截然不同的原创小剧场话剧《活性炭》也出自编剧喻荣军之手。该剧是喻荣军创作的一部温馨力作,自2006年首演至今,已赢得各年龄段观众好评无数,曾荣获全国戏剧文化奖话剧金狮奖“小剧场剧目奖”。该剧讲述发生在两代人之间的情感故事,让现代社会中的普通人在温馨之中对于如何对待爱情和家庭进行反思。《活性炭》是喻荣军众多作品中一部最适合全家人一起来观看的温馨话剧之一。它反映了城市里为了生计而奋斗着的年轻人,也反映了他们父辈们对于生活的无奈与对历史的反思。两代人对于生活与历史、情感与忠诚的不同感悟,有理解,有碰撞,有隔阂,有交融,有诙谐生动的城市生活,也有沉重悔恨的过去记忆。《活性炭》这部剧正如它的剧名那样,是一部能够净化人心灵的话剧。炭由煤生成,是煤中精品,而活性炭更是炭中精品,却具有净化的作用。本剧通过来自煤矿的董雄山自我心灵的净化,用自身影响下一代重新思考情感与家庭,他就是一块活性炭,在净化别人的同时,也净化了自己的心灵。该剧由上海话剧艺术中心艺术总监吕凉亲力执导,上海话剧艺术中心老中青三代优秀演员许承先、吴静为、王衡、宋忆宁、刘姝辰联合主演,将于2013年3月28日至3月31日在北京人艺实验剧场上演4场。

  除了此次北京展演的这3部剧目之外,今年由上海话剧艺术中心制作出品的话剧《无人生还》、《推拿》、《12个人》等上话具有代表性的话剧作品将陆续赴北京演出,为北京观众献上具有上海特色的优秀话剧作品。

  “创意、品质、多元”是上海话剧艺术中心一直以来的定位。上话自1995年成立之始,在话剧市场化方面取得了有目共睹的成绩。十几年的时间,中心已先后上演了古今中外作品100余部,与全国乃至世界各国艺术家们开展各种形式的合作及互访演出,参与了多个国际艺术节的演出。 在这些国内外交流中,上话和北京的演出交流尤为密切,譬如2004年《蝴蝶是自由的》、《艺术》、《长恨歌》、《正红旗下》;2007年《红星照耀中国》、《秀才与刽子手》,此后《无人生还》、《1977》、《武林外传》、《罗密欧与祝英台》、《鹿鼎记》等;2012年,《12个人》、《共和国掌柜》、《大哥》等等众多成熟剧目先后在北京上演,京派、海派、欧美当代风格多样,题材包罗万象,体现了海派文化的广纳和多元。在剧目、编剧、导演、演员、舞美各领域内,上话多次获得梅花奖、金狮奖、白玉兰奖等全国性大奖,并获得海内外艺术界的高度评价,在不同国家和地区的观众中引起了强烈的反响,是海派话剧的代表。

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